En la vasta y colorida historia de la música pop, existen canciones que logran trascender su época para convertirse en himnos inmortales, entonados de generación en generación. Sin embargo, detrás de la brillantez de los sintetizadores alegres y las melodías pegajosas, a menudo se esconde una realidad mucho más sombría y compleja. Este es precisamente el caso de A-ha, la legendaria agrupación noruega que conquistó el planeta entero en la década de los ochenta. Para el mundo, siempre serán los creadores de una melodía inconfundible y de un videoclip que revolucionó la industria visual. Pero para los propios miembros de la banda, ese monumental éxito se transformó en una jaula de oro, una sombra tan gigantesca que terminó por asfixiarlos, devorar su amistad y eclipsar el verdadero valor de su extensa trayectoria artística.
La paradoja más grande en la carrera de A-ha es el sentimiento de profundo rechazo que albergan hacia la obra que les otorgó la inmortalidad. Han dejado en claro en múltiples ocasiones que aborrecen interpretar su mayor éxito en vivo, una afirmación que deja atónitos a sus seguidores. Mientras el público experimenta una euforia incontrolable y se le eriza la piel al escuchar esa icónica nota alta sostenida, los propios cantantes experimentan una reacción diametralmente opuesta al mirarse en el escenario. Las tensiones entre ellos han sido tan graves que, durante largos períodos, la comunicación fue prácticamente nula. ¿Cómo es posible que una agrupación que logró tocar el cielo con las manos haya descendido a los infiernos de la discordia personal? La respuesta yace en la presión implacable de la industria y en el peso de ser etiquetados injustamente como un “one hit wonder” (artistas de un solo éxito), a pesar de haber regalado al mundo joyas musicales inolvidables.
Para comprender la magnitud de su caída y su constante lucha por la supervivencia, es necesario remontarse a los fríos y lejanos orígenes de la banda. La historia de A-ha comenzó a forjarse en Oslo, Noruega, en el año 1982. Paul Waaktaar y Magne Furuholmen, dos jóvenes soñadores y apasionados por la música, iniciaron una incansable búsqueda para encontrar al vocalista ideal, un líder carismático que pudiera dar vida a sus composiciones. En su travesía, escucharon hablar de Morten Harket, quien en ese entonces lideraba la banda Soldier Blue. Decididos a comprobar su talento, asistieron a una de sus presentaciones en vivo y quedaron absolutamente cautivados. Morten poseía la voz angelical y el rango vocal extraordinario que necesitaban desesperadamente. Sin dudarlo, se acercaron a él al finalizar el espectáculo para proponerle mudarse a Inglaterra y formar un nuevo grupo. Sorprendentemente, Morten rechazó la oferta de tajo. Se sentía cómodo en su agrupación actual y aún no albergaba la certeza de querer dedicarse a la música de forma profesional.
A pesar de este desalentador revés inicial, Paul y Magne se negaron a renunciar a su visión. Empacaron sus sueños y se trasladaron a Inglaterra por su cuenta, enfrentándose a la dureza y frialdad de una industria musical que no perdonaba a los recién llegados. Tras seis largos y agónicos meses de esfuerzos infructuosos, la cruda realidad los obligó a regresar a Noruega, derrotados pero no vencidos. Fue allí donde decidieron hacer un último y desesperado intento por convencer a Morten. Finalmente, el 14 de septiembre de 1982, la tenacidad rindió frutos: Morten Harket aceptó unirse al proyecto y así nació oficialmente el trío. El nombre “A-ha” surgió casi por accidente. Inspirados por una de sus primeras maquetas titulada “Nothing to it”, grabada entre 1982 y 1983, buscaban una palabra que resonara internacionalmente, que significara lo mismo tanto en inglés como en noruego. Tras buscar en varios diccionarios, Paul descubrió que “A-ha” era corta, pegadiza, fácil de recordar y poseía la universalidad perfecta para su inmensa ambición global.
Sin embargo, el camino hacia el estrellato estuvo plagado de humillaciones. Lo que muy pocos saben es que el mayor éxito de A-ha, originalmente titulado “Lesson One”, fue un absoluto y rotundo fracaso en su lanzamiento inicial. La canción no logró conectar con el público, vendiendo la deprimente cifra de apenas 300 copias. La discográfica y la banda decidieron incluso cancelar el lanzamiento del videoclip que ya habían filmado. Cualquier otro grupo se habría desintegrado ante tal fracaso, pero ellos estaban decididos a triunfar. Regresaron al estudio, aplicaron nuevos arreglos, modificaron la estructura y produjeron una versión remasterizada que cambiaría el curso de la historia del pop.
El verdadero punto de inflexión llegó en 1985, cuando la banda grabó un videoclip que desafió todas las convenciones artísticas de la época. Combinando acción real con una meticulosa animación estilo cómic mediante la técnica de rotoscopia, crearon una obra maestra visual que capturó la imaginación del mundo entero. El impacto fue sísmico e inmediato. La canción, ahora respaldada por este poderoso e innovador motor visual, despuntó en las listas de popularidad y alcanzó la colosal cifra de 8 millones de copias vendidas. En 1986, el video arrasó en la prestigiosa ceremonia de los premios MTV, llevándose a casa cuatro galardones, incluyendo Mejor Video de Artista Nuevo y Mejor Dirección. La agrupación había alcanzado el clímax absoluto, pero al mismo tiempo, acababan de engendrar al monstruo que terminaría por devorarlos.
“Es como un foco demasiado potente que ha eclipsado el resto de nuestro repertorio”, confesaría Magne Furuholmen años más tarde, resumiendo a la perfección la maldición que cayó sobre sus hombros. La asombrosa recepción de esta sola pista opacó cruelmente las demás composiciones del grupo. Impulsados por el impulso del éxito, lanzaron su álbum debut “Hunting High and Low” en octubre de 1985, convirtiéndose en un fenómeno global con más de 10 millones de copias vendidas. Temas magistrales como “The Sun Always Shines on TV”, que alcanzó el primer lugar en el Reino Unido y cuyo video fue concebido como una continuación directa de su éxito anterior, demostraron que poseían una innegable profundidad artística. Ese año, en 1986, A-ha dominó los premios MTV ganando seis de las ocho categorías a las que estaban nominados y obtuvieron una nominación al premio Grammy como Mejor Artista Nuevo, un honor que finalmente les fue arrebatado por la elegante cantante británica Sade.
El torbellino de la fama los arrastró a su primera gira mundial, comenzando en junio de 1986 en Perth, Australia. Entraron en una etapa frenética, produciendo música a un ritmo vertiginoso. Su segundo álbum, “Scoundrel Days” (1986), aunque no igualó el éxito de su predecesor, logró la respetable cifra de 6,6 millones de copias vendidas, confirmando que tenían una base de seguidores leales. Su indudable talento llamó la atención del legendario compositor John Barry, famoso por las bandas sonoras de las películas del agente secreto James Bond. Barry asistió a uno de sus electrizantes conciertos en el Reino Unido en 1987 y quedó tan impresionado que los invitó a colaborar. El resultado fue “The Living Daylights”, el tema principal de la película que marcó el emocionante debut del actor Timothy Dalton como el célebre agente 007.
A-ha continuó lanzando álbumes que demostraban su evolución artística. En 1988 presentaron “Stay on These Roads”, que vendió 4,2 millones de copias y los vio participando en eventos extravagantes, como lanzar un inmenso globo aerostático con el logo de la banda en el festival de Bristol, mientras Morten y Magne lucían trajes tradicionales noruegos. En 1990 publicaron “East of the Sun, West of the Moon”, que incluyó una conmovedora y existencial versión del tema clásico “Crying in the Rain” de los Everly Brothers, logrando vender 3,2 millones de copias. Pero detrás de las impresionantes cifras y los conciertos abarrotados, el oscuro velo de la tensión comenzaba a asfixiarlos.
Hacia el año 1992, la agotadora rutina, las presiones comerciales y los conflictos de ego sumergieron a A-ha en una etapa de declive inevitable. Las fricciones personales y las severas discrepancias creativas entre los tres músicos se volvieron insoportables. En un intento por reinventarse y escapar de la estela de su sonido pop sintetizado, lanzaron en junio de 1993 el álbum “Memorial Beach”. Este disco presentó un sonido de rock mucho más oscuro y pronunciado, un giro drástico e inesperado en su estilo habitual. Aunque a nivel artístico fue un esfuerzo valiente e interesante, para el mercado masivo resultó desconcertante. El álbum fue un rotundo fracaso comercial en comparación con sus obras anteriores, alcanzando apenas 1,2 millones de copias vendidas. De este álbum surgieron baladas melancólicas y poderosas como “Angel in the Snow”, una hermosa pieza que fue escrita por Paul Waaktaar como un emotivo regalo de bodas para su esposa, Lauren Savoy.
La situación interna se volvió insostenible. En 1994, grabaron “Shapes That Go Together”, el tema oficial de los emotivos Juegos Paralímpicos de Lillehammer, en su Noruega natal. Tras esta noble contribución y luego de ofrecer un tenso último concierto en el White Nights Festival en San Petersburgo, Rusia, en junio de 1994, la banda anunció lo inevitable: su separación. El silencio descendió sobre A-ha. Cada uno de los integrantes tomó su propio camino, buscando sanar las heridas y encontrar su propia identidad lejos del gigantesco foco que los había cegado.
Frustrado por las limitaciones creativas que experimentó dentro del grupo, Paul Waaktaar buscó un refugio musical donde pudiera expresar su visión con total libertad. Junto a su esposa Lauren y el talentoso baterista Frode Unneland, fundó la banda Savoy, un proyecto de pop-rock introspectivo que logró consolidarse como un fenómeno respetado en la escena musical noruega. Por su parte, Magne Furuholmen canalizó su desbordante energía hacia el mundo de las artes visuales y la composición de música instrumental para el cine. Expuso sus obras, que abarcaban desde la cerámica hasta el vidrio, en galerías exclusivas de Europa y Asia. En el ámbito sonoro, formó el grupo Timber Sound, creando atmósferas musicales envolventes para diversas producciones cinematográficas.
Morten Harket, el icónico rostro de la banda, amplió sus horizontes hacia causas de impacto social y medioambiental. Se involucró profundamente con la organización noruega Bellona, dedicando su tiempo a la protección del ecosistema y participando en valientes iniciativas que lo llevaron desde la densa selva del Amazonas hasta las vulnerables islas Maldivas. Paralelamente, cultivó una exitosa carrera como solista, lanzando álbumes memorables como “Wild Seed”, que arrasó en Noruega vendiendo más de 160.000 copias, y participó en inolvidables bandas sonoras, como su brillante interpretación de “Can’t Take My Eyes Off You” para la comedia de ciencia ficción “Coneheads”.
El destino, sin embargo, tenía otros planes para ellos. En 1998, el prestigioso comité del Premio Nobel de la Paz los invitó a actuar en su concierto conmemorativo en Oslo. Durante esa mágica noche, después de cuatro largos años de distanciamiento y silencio, la banda se reunió para presentar un tema inédito, escrito por Paul, titulado “Summer Moved On”. La cálida y eufórica recepción del público les demostró que la llama aún no se había extinguido. Esta inyección de energía motivó a los músicos a dejar a un lado sus diferencias y regresar al estudio de grabación.
El año 2000 marcó su regreso triunfal con el álbum “Minor Earth Major Sky”, que incluyó éxitos radiables como “Velvet”. Recuperaron el control de las emisoras y obtuvieron múltiples discos de oro en Europa. En 2002 lanzaron “Lifelines”, el álbum más extenso y ambicioso de su carrera con 15 canciones magistrales. Obtuvieron disco de platino en Noruega en tan solo 48 horas tras su lanzamiento. Este resurgimiento los llevó a emprender una gira de siete meses que congregó a más de medio millón de almas apasionadas, convirtiéndose en el tour más rentable y aclamado de su historia. De esta gira nació su primer álbum en vivo, un testimonio vibrante de que A-ha era mucho más que una banda de estudio de los ochenta.
Pero los fantasmas del pasado nunca desaparecieron del todo. A pesar de haber publicado nuevos álbumes como “Foot of the Mountain” en 2009, la tensión interna volvió a fracturarlos. En 2010, tras un desastroso concierto en el recinto de Vista Alegre, marcado por una acústica deficiente y discusiones acaloradas, la banda anunció una nueva y amarga separación. Llegaron a un punto de saturación donde, según relatan los propios allegados, no soportaban siquiera cruzar miradas. Parecía ser el final definitivo.
Tuvo que ocurrir una tragedia inenarrable para que sus caminos se volvieran a cruzar. Los brutales atentados terroristas del 22 de julio de 2011 en Oslo sacudieron a la nación noruega y al mundo entero. Dejando atrás su orgullo y sus conflictos personales, los tres miembros de A-ha se reunieron para ofrecer un desgarrador concierto en homenaje a las víctimas, asegurando tajantemente que sería una reunión de una sola noche y que no volverían a los escenarios. Sin embargo, la música y el paso del tiempo obraron el milagro de la reconciliación. En 2015, sorprendieron nuevamente al mundo anunciando su regreso oficial con el lanzamiento de “Cast in Steel” y una espectacular gira mundial. Posteriormente, en 2022, celebraron sus asombrosos cuarenta años de carrera adentrándose en el estudio para grabar “True North”, un álbum reflexivo y orquestal que demostró su madurez artística.
La historia de A-ha es una épica de resiliencia, dolor, redención y supervivencia frente a la adversidad impuesta por su propia genialidad. Reducirlos a la categoría de “one hit wonder” es no solo una injusticia mayúscula, sino una ceguera cultural que ignora décadas de constante evolución musical. Su capacidad inquebrantable para reinventarse en medio del caos, para superar conflictos internos que destruirían a cualquier otra agrupación, y para seguir conectando emocionalmente con millones de personas en todo el mundo, los consolida indiscutiblemente como una de las bandas pop más importantes y fascinantes de las últimas décadas. Su legado demuestra que el verdadero talento trasciende los reflectores efímeros y sobrevive a los caprichos de la fama, asegurando que su influencia resonará en la cultura popular por siempre.
